releases/sorties — Simon Leoza

RELEASES UNDER SIMON LEOZA / SORTIES SOUS SIMON LEOZA

ACTE III

Simon Leoza dévoile son nouvel album très attendu. Composé de douze pistes captivantes, cet opus mélange magnifiquement les univers de la musique indie-classique, pop et électronique. Débordant d'orchestrations évocatrices et abstraites, accompagnées d'éléments électroniques électrisants, Simon Leoza a créé un paysage vivant à la fois chaleureux et exaltant.

Alors que l'album précédent, "Albatross", possédait une qualité cinématographique, "ACTE III" exhale une essence théâtrale enchanteresse. À tous égards, Simon Leoza se présente comme un artiste pleinement accompli, démontrant une envergure et une ambiance plus grandes qui réaffirment avec confiance sa place légitime sous les projecteurs. L'album présente des compositions ambitieuses et classiques, des arrangements méticuleux avec des subtilités intelligentes et de multiples couches de sens.

Simon Leoza unveils his new highly-anticipated album. Comprising twelve captivating tracks, this opus beautifully blends the realms of indie-classical, pop, and electronic music. Bursting with evocative and abstract orchestrations, accompanied by electrifying electronic elements, Simon Leoza has created a vivid landscape that is both warm and exhilarating. While the previous album ‘Albatross’ possessed a cinematic quality, ACTE III exudes an enchanting theatrical essence. In every aspect, Simon Leoza presents himself as a fully realized artist, demonstrating a grander scope and mood that confidently reaffirms his rightful place in the spotlight. The album boasts ambitious, classicist compositions, meticulously arranged with clever intricacies and layers of meaning.

At the core of this artistic endeavor lies a rich tapestry of instrumentation, featuring an orchestral soundscape comprising a 10 piece string ensemble, a woodwind quartet, dynamic drums and percussions, brass, and an abundance of synthesizers and intricate sound design, resulting in an explosion of sonic possibilities. Collaborations with talented singers (Pilou and l i l a) add an extra dimension of depth and emotional resonance to the music. As a departure from the minimalist aesthetic, the album embraces a maximalist approach; a kaleidoscope of vibrant colors and bold contrasts inspired by movement and the human experience.

ACTE III, SCÈNE III

Voici enfin la dernière scène de l'album à venir, ACTE III.

'iƪƪusions’, collaboration avec le chanteur Pilou, est une pièce épique aux sonorités ambient-pop-électroniques qui explore la douleur de voir ses proches s'estomper dans les affres de la perte de mémoire. Évoluant à partir d’un délicat arpège, elle se transforme en un récit captivant d'électronique lourde, de percussions et de rythmes, reflétant le poids du thème exploité.

'camera obscura' répond quant à elle à la pièce 'III:XIII' de la Scène I, plongeant les auditeurs dans des limbes énigmatiques, dépourvus de temps ou de certitude. Cette pièce émotive, mettant en scène un petit orchestre sans tempo, évoque une profonde observation de l'expérience humaine. Des percussions lointaines ajoutent à son attrait envoûtant, alors que des vents, des cors et des cordes flottent lentement et évoquent la contemplation dans un espace liminal.

'ℜeχ ɲeβulÅ' dévoile le tapis rouge avec une résonance majestueuse. Hymne classique soutenu par un fond techno, il invoque un appel vers l’au-delà, faisant écho aux thèmes de la révérence et de la rédemption. Portant l'essence de l'album, un son d'ostinato percussif se profile en arrière-plan comme une ode annonciatrice, un prélude à l'album à venir, évoquant une aura de sainteté et de grandeur.

Finally we reveal the final scene of the upcoming album, ACTE III.

'iƪƪusions', a collaborative epic ambient-pop-electronic piece with singer Pilou, delves into the heartache of watching loved ones fade in the grip of memory loss. Evolving from delicate arpeggios, it morphs into a compelling narrative of heavy electronics, drums, and beats, reflecting the weight of the theme.

'camera obscura' responds to 'III:XIII' from Scène I, immersing listeners in an enigmatic limbo, devoid of time or certainty. This emotive piece, featuring a small orchestra sans tempo, invokes deep observation of the human experience. Distant drums add to its haunting allure, whereas woodwinds, horn and strings float slowly and evoke contemplation in a liminal space.

'ℜeχ ɲeβulÅ' draws the curtains with majestic resonance. A techno-infused anthem, it invokes a higher calling, echoing themes of reverence and redemption. With a percussive ostinato sound carrying the album's essence, it stands as a heralding ode, a prelude to the upcoming album, evoking an aura of sanctity and grandeur.

ACTE III, SCÈNE II

La deuxième scène d'ACTE III nous plonge au cœur de l'essence de l'existence humaine. La première pièce, inspirée d'un poème de Sarah Williams, "The Old Astronomer" (1868), est une réflexion poignante sur la nostalgie, le vieillissement et la peur de la mort. Elle raconte l'histoire de la quête d’une vie d'un astronome et le vide qu’on laisse après la mort, en mettant l'accent sur l'héritage que nous laissons derrière nous. Cette interprétation moderne met en scène un canon via une voix synthétique émouvante et des lignes d'ensemble de cordes évolutives, créant ainsi une atmosphère cinématographique.

La deuxième pièce, ΣVA, est une collaboration avec l'artiste québécoise l i l a. La pièce dépeint une femme naviguant dans un couloir infini, submergée par un chaos qui l'entoure. Le voyage commence par un piano intime et se poursuit par un mélange étoffé de cordes, de cuivres et d'éléments percussifs, évoquant une épiphanie soudaine et puissante.

Le volet se termine par _⍭errα_firmα_ - un morceau lourd, profond et émouvant. La combinaison d'une basse lourde, de synthétiseurs et d'un ensemble de cordes obsédant frappe au cœur, délivrant un impact émotionnel qui résonne avec l'expérience humaine.

Introducing the second scene of ACTE III - one that delves deep into the essence of human existence. The first piece, inspired by a 1868 poem 'The Old Astronomer' by Sarah Williams, is a poignant reflection on nostalgia, growing old, and the fear of death. It tells the story of an astronomer's lifelong pursuit and the emptiness after death, focusing on the legacy we leave behind. This modern rendition features a canon via a moving synthetic voice and evolving string ensemble lines, creating a cinematic masterpiece.

The second piece, ΣVA, a soul-stirring collaboration with Quebec-based artist l i l a, encapsulates raw emotion. It portrays a woman navigating an infinite corridor, overwhelmed by the chaos around her. The journey begins with an intimate piano and crescendos into a grandiose blend of strings, horns and percussive element, evoking a sudden powerful epiphany.

Closing with _⍭errα_firmα_, a piece that is heavy, deep, and profoundly moving. The combination of heavy bass, synthesizers, and a haunting string ensemble strikes at the heart, delivering an emotional impact that resonates with the human experience.

Isla (Single)

'Isla' est une pièce introspective de piano évoquant l’essence tranquille, délicate et pittoresque ressentie sur une île. La musique danse légèrement comme de petites marées, avec de subtiles textures électroniques accentuant les expressions contemplatives du piano. Elle laisse l'auditeur avec un sentiment d'appréciation pour le monde naturel - et, espérons-le, un appel à le protéger.

'Isla' is an introspective piano piece with minimal electronic elements expressing the tranquil, delicate and picturesque qualities of being on an island.The music ebbs and flows like small tides, with subtle electronic textures accentuating the piano's contemplative expressions. It ultimately leaves the listener with a sense of appreciation for the natural world - and hopefully a call to protect it.

Élégie pour Louise (Single)

Élégie a été composée lors des derniers moments de vie de ma grand-mère. C’était la première fois que je perdais quelqu’un de proche et je voulais pouvoir offrir quelque chose de spécial à ma famille. J’ai eu beaucoup de chance, car j’ai pu passer une grande partie de ma vie sans connaître la mort et le deuil. J’ai approché le concept de manière très calme et étonnamment j’ai pu y trouver du confort et de la sérénité. La pièce exprime justement ces émotions uniques qui nous traversent lors du deuil : de la tristesse oui, mais aussi de l’espoir et de la gratitude envers la vie. Elle a été jouée lors des funérailles de ma grand-mère en janvier 2020 à l'église du patelin où je suis né. Ce fut un moment précieux pour tous les gens présents. Cette pièce était censée figurer sur mon récent album, mais j’avais plutôt envie de la partager encore une fois comme hommage à Mamie, le jour de son anniversaire.

Élégie was composed during the last moments of my grandmother's life. It was the first time I lost someone close to me and I wanted to be able to offer something special to my family. I was very fortunate to be able to spend a large part of my life without experiencing death or grief. I approached the concept in a very calm way and surprisingly I was able to find comfort and serenity in it. The piece expresses those unique emotions that run through us when we grieve: sadness yes, but also hope and gratitude for life. It was performed at my grandmother’s funeral in January 2020 at the church in my hometown. It was a precious moment for everyone present. This piece was originally supposed to be on my latest album, but I wanted to share it as an other tribute to grandma - on her birthday.

ACTE III, SCÈNE I

Cette première scène se veut une courte odyssée captivante, débutant par une envoûtante sérénade pour orchestre à cordes, qui sert de motif central à l’album. La pièce phare, atoms, atoms, atoms, met quant à elle en lumière le génie du compositeur, fusionnant avec harmonie des éléments électroniques et des arrangements classiques. Synthétiseurs, violons, vents, cuivres; cette symphonie vibrante danse au carrefour de l'art sonore et des partitions cinématographiques, peignant un kaléidoscope vivant inspiré par l'expérience humaine. Le voyage sonore se conclut enfin avec III:XIII, dans une ambiance de film noir qui enveloppe les auditeurs dans une tranquilité introspective.

ACTE III, Scène I jette un soupçon d’intrigue, en nous présentant une nouvelle facette de l’esprit créatif de Simon Leoza. Le compositeur suscite l’anticipation pour les volets suivants, alors qu’il n’a pas fini de nous révéler les fruits de son évolution musicale.

This initial scene is intended to be a captivating short odyssey, beginning with an enchanting serenade for a string orchestra, which serves as the central motif for the album. The standout piece, "atoms, atoms, atoms" brilliantly showcases the composer's genius, seamlessly blending electronic elements with classical arrangements. Synthesizers, violins, winds, brass; this vibrant symphony dances at the intersection of sonic art and cinematic scores, painting a living kaleidoscope inspired by the human experience. The sonic journey ultimately concludes with "III:XIII," enveloping listeners in an introspective film noir ambiance.

ACTE III, Scène I hints at intrigue, presenting a new facet of Simon Leoza's creative spirit. The composer stirs anticipation for the forthcoming chapters, as he continues to unveil the fruits of his musical evolution.

Albatross - Live à la Maison Symponique de Montréal

L’album Albatross – Live à La Maison Symphonique de Montréal a été enregistré en mai 2021 dans l’emblématique salle de concert montréalaise reconnue pour son acoustique exceptionnelle. Entouré d’un ensemble de sept musicien.nes comprenant quintet à cordes, synthétiseurs et cor français, Simon Leoza a offert une version unique de quelques-unes de ses plus récentes pièces. Mixé et masterisé par Blaise Borboën-Léonard, l’album est présenté dans toute sa richesse, assumant au passage les petites imperfections qui font toute la qualité et le caractère des enregistrements live.

The album Albatross – Live à La Maison Symphonique de Montréal was recorded in May 2021 at the iconic Montreal concert hall known for its exceptional acoustics. Accompanied by an ensemble of seven musicians including a string quintet, synthesizers and a French horn, Simon Leoza offered a unique version of some of his most recent pieces. Mixed and mastered by Blaise Borboën-Léonard, the album is presented in all its richness, even keeping the small imperfections that make live recordings so special.

Albatross (LP)

Albatross est le premier album complet de Simon Leoza. Comme le parcours de l’oiseau de mer qui vole sur de grandes distances, la composition et la production de cet opus se sont étalées sur plusieurs années d’explorations musicales et de périples outre-mer. Après deux résidences de création au Banff Centre for Arts & Creativity et un voyage en Islande et aux Iles Féroé, le compositeur s’associe avec Blaise Borboën-Léonard (Queen KA, Lydia Képinski) qui coréalise l’album avec lui et l’enregistre au Studio Makina de Montréal et ainsi qu’au Studio Le Nid à St-Adrien. L’album de 10 pièces originales passe du grandiose à l’intime, caractéristique de l’univers du compositeur. Des pièces plus délicates viennent s’entremêler aux émotions vives des pièces plus énergiques. Riche en instrumentation et en textures électroniques, Albatross est un audacieux voyage émotif, mixé de manière subtile par Tonio Morin-Vargas (Flore Laurentienne, Bon Enfant). Si le précédent EP de l’artiste, Constellations (ou comment arrêter le temps), explorait le temps et l’astronomie, Albatross dépeint un récit de voyage personnel et authentique, d’émerveillement et de curiosité, quelque part entre le vertige du mystique et le confort du réel…

Albatross is Simon Leoza's first full-length album. Like the path of the seabird that travels great distances, the composition and production of Albatross spanned several years of musical exploration and overseas journeys. After two creative residencies at the Banff Centre for Arts & Creativity and a trip to Iceland and the Faroe Islands, he teamed up with Blaise Borboën-Léonard (Queen KA, Lydia Képinski) who co-produced the album with him and recorded it at Montreal’s Studio Makina and at Studio Le Nid in St-Adrien. The album’s 10 original pieces go from the grandiose to the intimate, characteristic of the composer's universe. More delicate pieces intermingle with the lively emotions of more energetic pieces. Rich in instrumentation and electronic textures, Albatross is a daring emotional journey, subtly mixed by Tonio Morin-Vargas (Flore Laurentienne, Bon Enfant). If the artist's previous EP Constellations (ou comment arrêter le temps) explored time and astronomy, Albatross portrays a personal and authentic travel account of wonder and curiosity, somewhere between the vertigo of the mystic and the comfort of reality...

RELEASES UNDER TAMBOUR/SORTIES SOUS TAMBOUR

CONSTELLATIONS (OU COMMENT ARRÊTER LE TEMPS) (EP)

Tambour’s third EP Constellations (ou comment arrêter le temps) is a collection of five tableaux that sees the Montreal based composer reflecting on notions of time ; its passing, the time we have and the time that we don’t, the time we take or choose not to ; time spent waiting after something or someone ; our perceptions of and relation to the world around us (and the stars beyond). Playing with these notions, Castonguay chose to play with the time and form of the record, configuring the listening experience as one continuous listen from start to finish. The listener is invited to lose themselves in time, and not focus on the bounds of individual tracks. Written largely in the fall of 2017 at the Banff Centre for Arts and Creativty, the record is in and of itself a reflection of the passage of time, a window into Castonguay’s recent past.

Constellations is Tambour at his finest - evocative piano melodies and ambient analog synthesizers paired with sweeping string and french horn arrangements performed by the Mommies on the run string quartet (Patrick Watson) and Pietre Amato (Arcade Fire, Bell Orchestre), who also engineered the record. He paints a narrative throughout each carefully crafted piece with a fine brush - delicate and intimate moments give way to dramatic overtures, pulling the listener into a world of wonder. Constellations is mixed by Mark Lawson in Montreal and mastered by Martyn Heyne at Lichte Studio (Berlin). Additional production on track IV by Thomas Haar. original artwork provided by Sean Curtis Patrick, with layout & design by Simon P. Castonguay and Catherine Pelletier

Castonguay on the record’s lead single Ursa Minor (Caroline’s Theme);
“This is a very personal track for me. The title was born from the idea of writing music based on an array of constellations, and was simultaneously the first piece / theme I’d written for someone - in this case a person with whom I’d been close, who left my life suddenly. The name Caroline stems from a piece of the same name by London based artist Douglas Dare. His song describes the story of a person reading through old letters from a long lost lover. At that time in my life, I shared exactly the same feeling of helplessness and incomprehension.”

CHAPITRES (VINYL)

Moderna Records is celebrating Record Store Day 2017 with the release of its very first vinyl in partnership with Return To Analog : Montreal neo-classical composer Tambour’s Chapitres.

This collection presents a selection of tracks from Tambour (aka Simon P. Castonguay)’s acclaimed EPs Chapitre I (2015) and Chapitre II (2016), here reunited under a single banner and pressed on limited-edition high quality vinyl with brand new artwork by Marie-Pier Meilleur.

“The double-LP vinyl release sounds as handsome as it looks. There is a sparseness to Castonguay’s compositions that allows us to appreciate every detail, no matter how fine. The music breathes, deeply. If you don’t find your heart rate winding down over the course of this double-LP, you’re not paying close enough attention.”

— Exclaim!

CHAPITRE II (EP)

Mixed, mastered yet partially recorded by Canadian awarded producer Pierre Duchesne, Chapitre II is Tambour’s return to twinkling piano and lush instrumentation in a dazzling waltz-influenced effort. The composer dives once again into his melancholic universe, inviting listeners into a cinematic world somewhat reminiscent of Yann Tiersen's soundtracks. Melodies at times melancholic, at others joyful, evolve unexpectedly through moments of contemplation, curiosity and nostalgia ; intimate, spacious moments punctuate an otherwise continuous flow of movement. Amongst many contributors, the album involves a special featuring of Pietro Amato, french horn player in Arcade Fire’s albums (Funeral, Neon Bible, The Subburbs) and Amon Tobin’s (Foley Room).

“The folksy, nearly fairy tale progressions are accompanied with a glockenspiel, clarinet, gentle electronics, french horn and a string quartet. Fans of delicate piano, graceful dances and magical fantasies will find themselves yearning for more.”

— Headphone Commute

CHAPITRE I (EP)

Chapitre I reveals Tambour's talent in crafting cinematic soundscapes from modern classical structures. Throughout each movement is portrayed a vivid imagery. Piché-Castonguay’s first take on minimal classical uses acoustic instrumentation, but its richly layered textures plunge the listener into an ocean of sustained, swelling atmospherics.

“Chapitre I is blessed with harmonies of weeping beauty, and its compositions are arranged with great sensitivity.”

— Ambient Music Guide